Acuarelas y pixelands
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Nuevos modos de trabajar con la luz, lo sonoro y el espacio escénico en los días que corren.
Seminario sobre la inclusión de la incipiente tecnología en salas de teatro o en espacios alternativos y la consecuente transformación del Arte Escénico en el SXXI.
La tecnología (en el siglo veinte) no sólo hizo al arte omnipresente , sino que transformó la manera de percibirlo. Es apenas posible para alguien que se ha criado en la era donde la música electrónica generada mecánicamente es el sonido standard que escuchamos, cuando cualquier chico puede congelar un cuadro visual, o repetir un sonido, como un fragmento de un texto puede ser vuelto a leer una y otra vez, cuando las ilusiones teatrales no son nada al lado de lo que la tecnología puede hacer en los comerciales de la televisión, recapturar la simple linealidad o secuencialidad de la percepción en los días anteriores a la moderna alta tecnología que hace posible moverse en segundos a través de un rango enorme de canales de televisión a disposición de todos. Eric Hobsbawn, The age of extremes, 1996
El seminario se plantea como un espacio para artistas y estudiantes interesados en la investigación y entrenamiento de las artes electrónicas y su relación con las artes escénicas.
Esto incluye un nuevo armado del escenario, nuevas formas de utilizar la luz, los sonidos, el vestuario, los objetos y su relación con el o los performers, ya sean humanos, animales o robots/ androides.
Está pensado en bloques de cuatro artistas de mediados del siglo xx que cambiaron el lenguaje escénico con la inclusión de elementos tecnológicos: John Cage, Merce Cunninngham, Nam June Paik y Alvin Lucier.
El objetivo final es desarrollar un posible ‘código escrito’ , a la manera de una partitura, para organizar el desarrollo de una obra escénica no convencional, que utiliza el lenguaje tecnológico en combinación con otros lenguajes más tradicionales, con el único objetivo de descubrir nuevas formas de expresión que se acerquen a las pautas culturales del SXXI.
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Hitchcock, Freud, el color, el collage y las expresiones humanas inconscientes o no.
Estas obras fueron creadas mientras investigaba cómo trabajaba Hitchcock con el color para expresar los conflictos del alma humana. La mejor manera de investigar sobre el color es utilizándolo.
En el lenguaje cinematográfico que inventó AH el verde es el color para representar representar el déjà vu.
En el lenguaje de Hitchcock los collages no son elegidos al azar como una forma de transición, sino que son intencionalmente utilizados para crear más tensión en el espectador. Lo hace brindando más información cruzada, esa que crea confusión para los más débiles y más desafío para los más fuertes.
Este seminario está dirigido a todos aquellos que les guste investigar cómo surgieron los nuevos lenguajes en el arte, en este caso en el arte cinematográfico.
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Buenas Noticias para el 2020
Seminario Cuatro Cabezas
Sólo ocho clases de dos o tres horas para armar el mapa de una obra multimedia, a partir de la memoria inmediata de un cuento universal, conocido por todos, pero con los recuerdos de cada uno, ya sean reales o inventados. Esa será la excusa para armar rápidamente un cuadro de doble entrada donde definen cantidad de personajes, de decorados, los materiales, la paleta de colores, el tono de la dramaturgia, la duración, el lugar, los sonidos, las texturas, el vestuario, la tecnología que van o no a incluir, el modo de integrar a los invitados, y varios detalles más que irán surgiendo de acuerdo a las invenciones de los que participen.
Las primeras 4 clases, que son preparatorias para armar el mapa de la obra que cada uno va a ir inventando y descubriendo, nos dedicamos a analizar el modus operandi de 4 artistas del SXX que cambiaron el lenguaje del arte escénico.
Las otras 4 nos dedicamos a armar el mapa de la obra según las premisas de cada uno de esos cuatro artistas, que yo las dicto como los diez mandamientos, que en total van a ser cuarenta. Vemos escenas de sus obras emblemáticas, y documentales donde explican cómo trabajan.
Esta vez nos propondremos centrarnos en cómo trabaja cada uno con la luz, en el set cinematográfico o teatral, en una sala o en un espacio público. Cualquier lugar es en sí mismo un escenario, con o sin actores.
Si fuera necesario podemos invitar artistas que sean coreógrafos o iluminadores o directores de actores o ingenieros tecnológicos, o arquitectos, o realizadores o astrónomos, que vienen colaborando conmigo desde hace más de una década, y van a colaborar como parte del equipo.
El que quiera poner la obra en escena y haya aprendido a armar un equipo de colaboradores puede hacer el seguimiento conmigo tantas veces como lo necesite.
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Muestra Pintura Haiku
